在小島秀夫（Hideo Kojima）的創作宇宙中，聲音從來不是陪襯，而是構築世界觀的重要結構。《死亡擱淺》（Death Stranding）亦然。音效與音樂不僅承載情感重量，更塑造出作品獨特的節奏感與強烈的心理孤獨氛圍，使玩家在荒蕪世界中行走時，感受「連結」與「孤獨」並存的張力。
然而，當這樣一套高度互動、由玩家行為驅動的自適應音樂系統，轉化為可於全球巡演的交響音樂會形式，所面臨的挑戰已不僅止於音樂改編，而是一場橫跨遊戲設計、聲音工程與現場演出整合的專業實踐。
聲音DNA的建立與全球演進
《死亡擱淺》的聲音核心源自瑞典作曲家 Ludvig Forssell，並與冰島樂團 Low Roar、法國創作歌手 Woodkid（Yoann Lemoine）等人合作，同時納入 Silent Poets、CHVRCHES 等多組音樂人作品，形塑出高度敘事導向的聲音語彙。這些音樂元素原本嵌入於遊戲機制之中，依玩家行動動態生成情緒氛圍，成為旅程中的情感錨點。
2019 年 11 月，《死亡擱淺》於 PS4 發售，其非典型的配樂機制在全球遊戲與音樂社群引發廣泛討論，並於同年 12 月榮獲 The Game Awards「最佳配樂／音樂」獎項。2022 年 12 月，《死亡擱淺 2：On The Beach》首支預告釋出，展現更具空間感與實驗性的聲音方向。
2025 年 11 月，《死亡擱淺：Strands of Harmony》世界巡演正式啟動，首站於澳洲雪梨登場。巡演以《死亡擱淺》及其續作音樂為核心，結合影像與現場管弦樂演出，將原本的互動式配樂轉化為完整的交響音樂會形式。巡演橫跨歐洲、亞洲、北美與大洋洲共 19 座城市，包括倫敦、洛杉磯、上海、首爾、巴黎、柏林、橫濱、大阪、芝加哥、蒙特婁與多倫多等地，展現遊戲音樂在全球劇場舞台上的文化影響力。
從動態系統到線性敘事：聲音工程的重構
將《死亡擱淺》從主機平台搬上劇院舞台，本質上是一場深層的聲音重構工程。
在遊戲中，音樂由模組化片段構成，依玩家行為即時觸發；但在音樂會場域中，觀眾所聆聽的是長達 10 至 15 分鐘的連續樂章。這意味著原本零散的聲音素材，必須被重新編織為具備清晰情感弧線的交響敘事。
同時，原作大量使用實驗性合成器與工業聲響。在劇院環境下，這些數位聲音需與弦樂、木管、銅管及打擊樂產生實體共振，達到聲學上的平衡與融合。尤其在如杜比劇院（Dolby Theatre）等大型場館中，聲音的空間鋪陳取代了耳機聆聽的親密指向性，配器設計因此成為敘事關鍵——每一位樂手都是聲音敘事的參與者。
跨媒介的聲音建築師：劉奕萱的整合角色
在這場轉型過程中，編曲與配器的角色成為關鍵核心。《死亡擱淺》的音樂橫跨電子音樂、歌曲創作與管弦配樂，若要整合為可於世界巡演中穩定呈現的大型音樂會形式，必須仰賴跨媒介整合能力。
劉奕萱正是此一聲音橋樑的重要實踐者。她的工作不僅止於傳統意義上的編曲與配器，而是從互動式聲音系統出發，重建可供現場演出的交響結構。
原始音樂多由合成器、電子處理聲響與節奏模組構成，並非以完整樂譜形式存在。她需從中拆解與萃取可演奏素材，建立管弦改編基礎，再進一步完成完整樂章結構。同時，她必須兼顧音樂複雜度與實際可演奏性，在有限排練時間內，確保 60 人以上樂團能穩定呈現高度精細的聲音層次。
美國作曲家暨管弦樂師 Chad Seiter 在談及合作時表示：「在打鬥場景段落，我要求加入大量快速音群的長笛與短笛效果。洛杉磯演出後，我特別告訴她，我對當初堅持讓她嘗試這樣寫法感到非常滿意。她突破了原有創作框架，最終在現場展現出極佳效果。」
除了管弦編制，她亦需整合預錄播放音軌、電子聲響與遊戲影像同步，確保現場演出與視覺敘事精準銜接。她並未將合成器視為輔助元素，而是賦予其與管弦樂同等的重要性，使最終作品既非純交響、也非純電子，而是一種專屬於《死亡擱淺》的混合聲音語言。
遊戲音樂的再詮釋與文化定位
《死亡擱淺：Strands of Harmony》世界巡演，不僅是遊戲配樂的延伸，更是一場跨媒介的藝術再詮釋。透過交響樂的形式，原本屬於個人互動體驗的聲音，轉化為可被劇場觀眾共同感知與共享的情感敘事。
在這樣的轉化過程中，聲音不只是再現，而是重新建構。它讓觀眾在音樂廳中再次體驗孤獨、連結與重量，也證明了遊戲音樂已不再侷限於數位娛樂範疇，而是具備登上全球劇場舞台的藝術價值。
這場巡演，既見證了《死亡擱淺》音樂的國際影響力，也凸顯跨媒介聲音整合人才在當代創作產業中的核心地位。
